ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 11. Постимпрессионизм (2)

      Продолжим наш разговор о портрете с творчества еще одного представителя направления «неоимпрессионизма», на которого оказала большое влияние дружба с Жоржем Сёра, и который стал проводником и теоретиком нового метода написания картин – «пуантилизма» — посредством расположенных рядом точек чистых контрастных цветов. Речь идет о художнике по имени Поль Синьяк (1863-1935), единственном сыне обеспеченных родителей, рано проявившем желание стать художником. 


Родители не очень возражали против выбора сына, его отец умер, когда Полю было 17 лет, но оставил неплохое состояние, позволившее тому заниматься любимым делом. Поиски своего пути в живописи привели его к знакомству и дружбе с Сёра, интересовавшегося только творчеством, а Синьяк, будучи его горячим почитателем, взял на себя труд популяризации и даже написал после ранней смерти друга работу «От Делакруа к неоимпрессионизму», опубликованную в 1899 году, и она стала неким манифестом нового направления. 

Правда, вскоре он замечает, что «точечный» метод его уже не удовлетворяет, он говорит, что «Я всё больше и больше ненавижу мелкую точку и сухость», и переходит от точек и резких тонов к мазкам и нежному колориту.


Жил художник в Сен-Тропе, обожал море, посвятил ему не только много картин, но и времени, плавая на яхтах, которые он часто менял, писал свои пйзажи с воды. Интересный факт биографии Синьяка – его положительное отношение к советской власти и увлечение соцреализмом, который на собственное творчество, к счастью, не повлиял. Можно видеть отголоски, этого стиля в некоторых работах, 


но политика его мало интересовала – его творчество оставалось, радостным и светлым, как и его легкий, общительный характер. Любитель музыки и моря, Синьяк часто давал своим картинам музыкальные названия: «опус», «сюита», «скерцо»… Известность пришла к художнику при жизни, он был награжден в 1911 году Орденом Почетного легиона, у него было много почитателей и друзей — Писсарро, Матисс, Марке, он близко сошелся и с интересом следил за поисками и творчеством художников группы «Наби», о которых мы теперь и поговорим. 
«Наби» (фр. nabis от древнееврейского- «נביא» Navi — пророк), возникла в Париже в 1888 г. и просуществовала приблизительно до 1905 г. Название группы отсылало к «мистическому» опыту и «посвященности» в тайные знания участников, что было несколько претенциозно. Она объединила часть молодых французских художников, которые занимали значительное место в художественной жизни Франции 1890-х годов, и называли себя «набидами». Опираясь на опыт импрессионистов, преклоняясь перед Сезанном, используя советы Гогена, изучая японскую гравюру и народный лубок, они искали новый «синтетический» стиль, обнаруживая все возрастающее тяготение к внешней декоративности.


(На этой картине, кроме стоящего слева Сезанна, изображены некоторые члены группы: 1 – Вюйар, 4 – сам Дени, 5 – Сёра, 8 – Боннар, женщина сзади справа – мадам Дени.)
«Синтетизм» Гогена (упрощение изображения, передаваемого яркими, необычно сияющими красками, чрезмерная декоративность, желание «синтезировать» видимый и воображаемый миры) стал эстетической концепцией группы «Наби», из которой выросло затем новое художественное течение «модерн». Портрет не был важной частью творчества художников группы, но (особенно в начале творческого пути) многие из них обращались к портрету. Создателем и вдохновителем группы «Наби» был Поль Серюзье ((1864-1927), 


о котором другой член группы, Морис Дени, говорил: «Серюзье казался мне светочем духа высокой культуры, вдохновителем, интеллектуальным и художественным предводителем…».


В 1888 г. Серюзье побывал у Гогена в Понт-Авене, с тех пор считал его своим учителем и вдохновителем. Позднее он обращается к религиозным темам, переняв основы живописи бенедиктинцев, которые произвели на него большое впечатление во время посещения бенедиктинского монастыря в Праге и других европейских городах. 
Руководителем группы «Наби» в молодости был и один из наиболее почитаемых французских колористов того времени Пьер Боннар (1867-1947).


На всех художников группы «Наби» сильное влияние оказало искусство японской гравюры, но на творчество Боннара особенно: художник выбирает холсты вертикального формата, что само по себе приближает их к декоративному японскому панно. Всю поверхность полотна занимает фигура человека, остальные детали вводятся для усиления орнаментального начала и достижения цветового равновесия. Боннара даже называли «японствующим набидом».


Несмотря на свою тесную связь с группой «Наби» и даже руководство ею некоторое время в начале пути, Боннар всегда подчеркивал: «Единственное, к чему я стремлюсь, — это создать что-то свое». В 26 лет художник влюбился в продавщицу цветочного магазина, но только через 32 года они официально поженились, ее образ запечатлен почти в 400 картинах, очень часто в обнаженном виде в ванной или за умыванием.

Боннар писал много ню, он стремился проникнуть во внутреннюю интимную жизнь женщины, в ее мир переживаний. Его портреты всегда «согреты» дыханием жизни, искренни и трогательны.


Еще один художник, творчество которого было связано с группой, и который часто говорил о своем безразличии к проблемам жанра портрета, на самом деле, особенно в начале своего творческого пути, интересовался портретом, в том числе и групповым (см. выше – «Апофеоз Сезанна»). Морис Дени (1870-1943) 


был не только художником, но и теоретиком искусства «набидов», утверждая, что «роль художника заключается не в рабском подражании природе, а в визуализации грез» — эта мысль уже выражает кредо символизма. Во второй половине своей творческой жизни Дени часто обращался к религиозным сюжетам, многие даже сравнивали его с Фра Анжелико – он изображал, например, сцены из мирской жизни или обычных женщин, окружавших его, но в его портретах ощущается идеализация, особая целомудренность, присущая религиозной живописи, например, в тройном портрете жены.


И еще об одном художнике группы «Наби», прожившем долгую и плодотворную жизнь, работавшем в разных жанрах и техниках, отдававшем дань также фотографии и прикладному искусству. Жан Эдуар Вюйар (1868-1940)


начинал свою творческую карьеру с подражания голландцам, потом увлекся импрессионизмом, а затем попал под влияние Гогена и Тулуз-Лотрека, и, как все «набиды», прошел через увлечение японской гравюрой. Средства к существованию ему давали в основном светские портреты.


Изображая повседневную жизнь, Вюйар представлял ее как нечто таинственное и увлекательное, сам он настаивал на том, что он пишет не портреты, а «людей в их окружении».


«И в самом деле: «окружение» его героев и героинь почти всегда имеет самостоятельную ценность, так что художественная задача автора, как правило, не сводится к портрету» (Ребекка Фрумкина «Э. Вюйар. После импрессионизма»).
Творческое кредо художников группы «Наби» сформулировал Морис Дени в своей статье «От Гогена и Ван Гога к классицизму». Живопись, по мнению Дени, «должна выражать реакцию человеческой души на духовность окружающего мироздания. Показывать отражение духовного Абсолюта в субъективном мире человека.»
Среди немногочисленных женщин-художников того времени интересна судьба Сюзанны Валадон (урождённая Мари́-Клементи́н Вала́д, 1865-1938)

Дочь прачки, не знавшая своего отца, начавшая в 11 лет нянчить чужих детей, работать в бистро, торговать овощами на рынке, а с 15 лет, став акробаткой в цирке, вскоре сорвалась с трапеции и начала помогать матери разносить чистое белье заказчикам. Так и познакомилась с некоторыми художниками Монмартра, стала натурщицей и содержанкой некоторых из них, в том числе Ренура, на некоторых полотнах которого узнается ее образ, а с Тулуз-Лотреком у них была любовь-страсть и творческий союз.


Они были абсолютно свободны от предрассудков, трезво и беспощадно смотрели на жизнь – эта плебейка из низов общества и богатый потомок графской семьи. Именно Тулуз-Лотрек первым увидел ее рисунки, высоко оценил их, показал Дега, и оба посоветовали девушке продолжать заниматься живописью. 


Она работала много, серьезно и стала первой женщиной-художницей, принятой в Национальное общество изящных искусств, родила сына (всю жизнь скрывая имя отца), Мориса Утрилло, ставшего известными художником.
Еще один французский художник-неоимпрессионист, теоретик символизма, друживший одно время с Гогеном и разделявший его увлечение клуазонизмом — стиль живописи, заключающийся в использовании разделяющих различные цвета контуров в рисунке — Эмиль Бернар (1868-1941) интересен нам творчеством первой половины жизни.


Позже он уходит в основном в религиозную живопись и подражание средневековому искусству, занимаясь по большей части копированием работ «венецианцев». Интерес представляет его переписка с Ван Гогом, Гогеном, Сезанном, она дает представление о том, что интересовало и волновало великих мастеров живописи того времени.


«Я изучаю молодого Бернара, которого я знаю меньше тебя. Я думаю, вы оба добьетесь его успеха, и ему это нужно. Он, естественно, страдал, и он начинает в жизни, наполненной желчью, чтобы увидеть ту сторону человека. Я надеюсь, что с его разумом и любовью к искусству он однажды увидит, что доброта — это сила против других и утешение для наших собственных несчастий.» (Из письма Гогена Ван Гогу, 1888).
Я не очень люблю примитивизм, но в конце 19 века появился во Франции художник-самоучка, ставший, пожалуй, самым известным представителем этого направления, Анри Руссо (1844-1910), по прозвищу «Таможенник».


Его интересную биографию можно прочитать тут: https://gallerix.ru/read/anri-russo/. В 1886 году, выставив по приглашению Синьяка в независимом салоне четыре свои работы, начинающий художник получит высокую оценку от таких известных живописцев, как Поль Гоген, но его произведения подвергаются осмеянию – академисты утверждали, что даже ребёнок способен так рисовать (знакомые оценки?). Сам же Руссо был простодушно уверен в своей гениальности и продолжал рисовать.


(В этой работе изображен французский поэт Гийом Аполлинер и его муза, французский художник Мари Лоуренсин.) Признание Руссо получил сначала лишь среди самых прогрессивных современников – авангардисты были его лучшими друзьями всю жизнь. 


«Творческая манера самого художника отнесена к примитивизму благодаря его самобытному стилю и из-за его любви к итальянским художникам – примитивистам, таким как Фра Анджелико и Джотто, творившим в XIV и XV веках, когда ещё не были открыты законы классической перспективы, именно отсутствие которой и станет настоящей визитной карточкой всего творчества Руссо».
Теперь очень коротко о некоторых художниках-постимпрессионистах других стран. Особенно можно отметить британских художников «Кэмдентаунской группы», специализировавшихся в основном на сценах городской жизни, пейзажах, но и не забывавших о портрете. Среди них Гарольд Джон Уайльд Гилман (1876-1919), называвший свой стиль неореализмом. 


В его работах чувствуется сильное влияние Сезанна, Матисса, Гогена и особенно – Ван Гога. 
Другой британский художник, также находившийся под сильным влиянием Ван Гога и друживший с Гогеном, Роберт Полхилл Беван (1865-1925)


вел своё происхождение от последнего короля независимого Уэльса. Под влиянием Гогена Роберт Беван в 1904 подключается к движению фовистов, участвует в выставке прогрессивных художников, близких к французскому Салону Независимых, в лондонском Альберт-Холле, пишет в основном пейзажи, животных и портреты.


И третий английский художник, близкий по своей художественной манере к постимпрессионистам, Спенсер Фре́дерик Гор (1878-1914). 


Он был первым президентом художественной группы Кэмден Таун, в своем творчестве основное внимание художник уделяет пейзажу, использует приемы пуантилизма, обобщение форм с усилением цвета в духе Гогена и экспрессивными чертами, которые можно сравнить с Ван Гогом. При неоднородности стиля и непрестанных поисках работы Гора, и особенно портреты, выделяются тонким, интимным настроением.


Французское искусство конца 19 века оказывало большое влияние на художников Европы. Бельгийский художник Тео ван Рейссельберге (1862-1926), 


познакомившись и подружившись в одной из своих поездок в Париж с Жоржем Сёра, «заразился» пуантилизмом и только через 20 лет, когда уже не стало его друга и учителя, постепенно отошел от этой техники, 


переселился на юг Франции и увлекся написанием обнаженной женской натуры.
На мой взгляд, все последователи французских постимпрессионистов были все-таки слабее них, заимствуя техники и манеры, они не достигали той напряженности рисунка и цвета, той обнаженности страстей, той яростной экспрессии и глубокого символизма, которыми полны картины великих французов. Кроме одного – норвежского живописца и графика Эдварда Мунка (1863-1944), одного из первых экспрессионистов, оказавшего огромное влияние на современное искусство.


Начиная свою творческую биографию, как художник-реалист, он получал упреки в небрежности рисунка, нежелании совершенствовать технику, но побывав в Париже во время Всемирной выставки, он напишет в своем дневнике: ««Не следует больше писать интерьеры, читающих мужчин и вяжущих женщин. Им на смену придут реальные люди, которые дышат и чувствуют, любят и страдают…»


Побывав позже еще раз в Париже и посетив «Салон независимых», Мунк увидел, очевидно, работы Ван Гога и Гогена, был поражен и восхищен, а в 1896 году он знакомится в Париже с Гогеном, Дени, Бернаром. Именно в эти годы вырабатывается фирменный «экспрессионистский» стиль Мунка — выразительные линии, упрощённые формы, символичные сюжеты.


Но это уже тема дальнейших разговоров об эволюции портрета в эпоху становления современного искусства. Заканчивая сегодняшнюю тему постимпрессионизма, подчеркну еще раз, что постимпрессионизм – не стиль, не направление в живописи. «Постимпрессионизм — это зонтичный термин, который охватывает множество художников, бывших под влиянием импрессионизма, но использовавших свое искусство в других направлениях.
Однако постимпрессионизм неотделим от импрессионизма. Это две фазы периода разложения традиционной академической системы и перехода к искусству 20 века» («Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия». Под ред. проф. Горкина А. П.; М.: Росмэн; 2007.) Именно тогда зародились такие направления как экспрессионизм, фовизм, символизм, кубизм, модерн…
Как всегда, предлагаю посмотреть видеоклип, в котором около 90 репродукций произведений упомянутых тут художников, музыкальное сопровождение Мориса Равеля.

Ссылки: 1. https://www.wikiart.org/ru/artists-by-art-movement/postimpressionizm
2. https://artrecept.com/zhivopis/stili/postimpressionizm
3..http://www.smirnova.net/articles/portret/portret_v_tvorchestve_postimpressionistov_chast_iii/
4.https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%BE%D1%81%D1%82%D0%B8%D0%BC%D0%BF%D1%80%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B8%D0%BE%D0%BD%D0%B8%D0%B7%D0%BC

 

Создание сайтов
Автор vanatik 21 Articles
Из Москвы Закончила Моск институт ин.языков им. Мориса Тореза. Замужем. Есть сын, Алексей, внучка и две правнучки. Живем в Ашдоде.

6 Комментарии

  1. Аплодисменты!!!
    В пятницу 2-го февраля в музее Диаспоры Бейт атфуцот утром будет лекция о творчестве Мунка

Добавить комментарий