ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 10. Импрессионизм (2).

«Живопись требует небольшой тайны,

некоторой неопределенности, некоторой фантазии.

Когда вы вкладываете совершенно ясное значение,

 людям становится скучно.» (Эдгар Дега)

Родившийся во Франции импрессионизм быстро распространился за пределы страны и стал международным явлением, приобретя в каждом из государств свой специфический характер, обусловленный географическими, историческими и ментальными особенностями страны. Но общие принципы импрессионизма — передача мимолетных впечатлений, использование пленэра, разложение цветов на чистые составляющие, зыбкость формы в вибрации воздуха и солнечного света, отказ от максимального правдоподобия, изменчивость образа человека в изменчивой среде – остались в той или иной степени незыблемыми.  

Немецкий импрессионизм хронологически возник на два десятилетия позже французского, но живопись немецких художников вовсе не является «недоросшим»» импрессионизмом, немецкий импрессионизм – самостоятельное, отдельное явление. Коротко можно сформулировать отличие немецкого импрессионизма от французского так: французская традиция — это традиция видимости, немецкая – осязаемости, немецкий импрессионизм гораздо более экспрессионистичен, творчество немецких импрессионистов говорило столько же уму и сердцу, сколько и глазу.Родоначальником немецкого импрессионизма считается Макс Либерман (1847 – 1935),

 

родившийся в Берлине в ортодоксальной семье богатого еврейского текстильного промышленника. Я писала о нем подробно в обзоре немецкого импрессионизма тут: https://vanatik05.livejournal.com/8745.html

— поэтому сейчас упомяну только о некоторых моментах его биографии. 

Занимаясь рисованием, а позже изучением живописи вопреки воле родителей, молодой Макс находился первое время под сильным влиянием голландцев, преклонялся перед Рембрандтом и пытался ему подражать. Но после поездки во Францию и Италию, открытия своей студии на Монмартре, знакомства с творчеством французских художников, особенно Курбе и Милле, а позже и импрессионистов, Либерман находит свой путь в искусстве.

 

и в середине 90-х годов переходит к изображению людей в игре света, тени и солнечных бликов, пишет много портретов. Именно эта сторона его творчества интересует нас в этом обзоре.  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Во время франко-прусской войны 1870 года и Первой мировой войны художник проявлял себя горячим патриотом Германии, считал себя обязанным оказывать своим творчеством содействие в войне. Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».Он писал: «Всё моё воспитание я получил здесь, вся моя жизнь прошла в этом доме, где жили мои родители. И в моём сердце моя родина Германия тоже является неприкосновенным и бессмертным понятием».

 Тем тяжелее было ему наблюдать изменения, происходящие в Германии, ухудшение отношения к евреям, ограничения в искусстве, насаждение новой идеологии, появление тяжеловесной пропагандистской «имперской» живописи. Он слагает с себя все полномочия по руководству прусской Академией художеств и говорит одному из своих друзей: «Я живу исключительно из ненависти. Я больше не смотрю в окно этой комнаты, я не хочу видеть новый мир вокруг меня». В 1933 году после тяжелой болезни он пишет свой последний автопортрет в неярких коричнево-желтых тонах, с добавлением зеленоватого. Это характерная для художника и любимая им «трехцветка» — использование в картине трех основных цветов с их разными оттенками.

Либерман умер 8 февраля 1935 года в своём дворце на Парижской площади, не дожив, к своему счастью, до «окончательного решения еврейского вопроса». Его жена позже оказалась в берлинском гетто и покончила с собой перед отправкой в концлагерь Терезиенштадт, приняв смертельную дозу барбитуратов.

 Одним из ведущих художников берлинского Сецессиона, в котором преобладали импрессионисты, сменившим в 1915 году Макса Либермана на посту президента, был

Ловис Коринт (встречается и Коринф) (1858-1925), настоящее имя Франц Генрих Луис Коринт, (о нем я писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/8971.html)

родился в семье кожевенника, рано начал рисовать, некоторое время находился под влиянием творчества Курбе и художников Барбизонской школы, в 1899 году принимает участие в выставке, организованной участниками Берлинского сецессиона и открывает свою школу живописи для женщин.

Одна из его учениц, Шарлотта Беренд, девушка из зажиточной еврейской семьи, в два раза моложе мрачного и угрюмого Ловиса, становится его музой и женой, а главной темой его творчества впредь будет радость семейной жизни и отцовства.

В 1911 году Ловис перенес инсульт, осложненный левосторонним параличом и тремором рук, но ему удалось восстановиться благодаря уходу и любви жены и детей, и уже через год вернуться к мольберту – к счастью болезнь не затронула его правую рабочую руку.

Его работы становятся все ближе к экспрессионизму, для которого характерны прежде всего принцип выражения, преобладающий над изображением, и идея непосредственного эмоционального воздействия на публику.  Коринт проходит в своем творчестве путь от академизма, через импрессионизм к экспрессионизму, характерный путь для многих художников конца XIX — начала XX века.

Последние годы жизни Коринт проводит с семьей в небольшом селении у озера в Баварских Альпах, очень много работает и его картины успешно продаются, он счастлив.

Но неожиданно художник заболевает воспалением легких, болезнь протекает тяжело и заканчивается смертью в 1925 году. Его любимая жена, ставшая тоже художницей и хранительницей памяти мужа успела, к счастью, эмигрироватьс детьми в 1933 году в США и в 1958 году опубликовала полное собрание произведений Ловиса Коринта.

С приходом фашизма живопись Коринта, как и многих других художников, была объявлена «дегенеративным искусством» и примерно 300 его картин в 1937 году были уничтожены либо распроданы.

Во второй половине девятнадцатого века, опережая появление французского импрессионизма, в Италии появилась группа художников, отошедших от классических академических канонов и желавших перенести на свои полотна жизнь и природу в их истинном проявлении. Они объединились в движение, получившее название «маккьяйоли» (Macchiaioli), от слова «macchie» — «пятно» — свободная манера письма яркими цветовыми пятнами (я писала о них тут: https://vanatik05.livejournal.com/2014/08/08/ и тут: https://vanatik05.livejournal.com/10632.html )

Одним из ярких представителей этого движения, получившего известность благодаря портретам не только своих сподвижников, но и многих знаменитых людей Европы, был Джованни Болдини (1842 – 1931),

родившийся в семье религиозного художника и  получивший от него первые навыки в рисовании. После успешного обучения в Академии художеств во Флоренции Болдини становится модным портретистом, получая заказы от многих ведущих членов общества в Лондоне и Париже для их салонов, его искусство приносит ему богатство и славу.

 Критики называли Болдини одним из лучших портретистов «Прекрасной эпохи» (конец XIX — начало XX века), а близкие друзья Эдгар Дега, Джон Сарджент, высоко ценили его резкую, живую, страстную манеру письма, за которую художник получил прозвище «мастер свистящего мазка».

Среди наследия Болдини есть большое количество женских портретов, и особенно много – его возлюбленной и музы графини Габриэле де Расти, женщины из высших слоев общества, которая безусловно была вдохновительницей и обожаемой моделью художника, хотя он и не всегда подписывал ее портреты с упоминанием имени женщины.

Вообще о его личной жизни известно мало, женщины его обожали, друзья любили, он был популярен и богат, но женился только за 2 года до своей смерти в возрасте 91 года, на женщине, которая была моложе него на 56 лет и разошлась ради него с мужем. На свадебной церемонии Болдини сказал: «Это не моя вина, что я такой старый, но это случилось со мной и случилось все сразу». Огромная популярность художника у светских женщин, а они были готовы месяцами ждать очереди за своим портретом у него, объясняется еще и тем, что Болдини сочетал натуралистическую манеру в написании лиц с импрессионистической — в изображении одежды и окружающего антуража.

Картины и портреты Болдини и сегодня высоко ценятся. Например, вот этот портрет в 2010 году был продан на аукционе за почти 2,1 млн. евро. История его стала известна после обнаружения в запертой в течение 70 лет квартире, принадлежавшей наследникам.  Есть мнение, что изображенная на ней женщина «полусвета» являлась долгие годы музой и возлюбленной великого художника.

Пожалуй, самое большое влияние французский импрессионизм оказал на испанских художников, (я писала об этом тут: https://vanatik05.livejournal.com/10981.html )

Многие из них долгие годы жили и работали в Париже, их стиль был более размашистым, они использовали более интенсивный цвет, чем французы, любили яркий белый, насыщенный красный, «вибрирующие» поверхности, солнечный свет. Можно сказать, что в их картинах «отражался воздух Испании». Одним из самых известных испанских портретистов был Хоакин Соролья (-и-Бастида) (1863 — 1923)

Художник родился в Валенсии в семье торговца. Уже через 2 года он и его младшая сестра остались сиротами после смерти родителей (вероятно, от холеры), и детей воспитывала семья дяди. С 9 лет у Хоакина проявились художественные наклонности и он начинает заниматься живописью, некоторые свои работы продает местному лавочнику, одну из них увидел случайно зашедший в лавку известный фотограф, пришел от картины в восторг, купил ее и захотел познакомиться с художником.

 С тех пор он помогал молодому Хоакино, дал ему возможность работать в его мастерской, где тот и познакомился с его дочерью, ставшей позже его возлюбленной и женой. После службы в армии Соролья продолжает обучение в Испанской академии в Риме, ненадолго едет в Париж, где происходит его первое знакомство с современной французской живописью.

Начинал художник с натуралистической живописи и социальной тематики, но постепенно его палитра стала светлеть, а сюжеты отражать вечные темы – красоту испанской природы, моря, женщин, детей, радостного бытия. Он овладевает искусством передавать свет, вибрацию воздуха, солнечные блики, его отличает от французских импрессионистов только лишь более четкие мазки и очертания фигур.

В 1906 году в Париже состоялась первая большая персональная выставка Сорольи, принесшая ему известность и мировую славу, а еще в 1899 году ему был присвоен испанскими властями титул «Любимый сын Валенсии». А любовью всей его жизни были его жена и дети, его сын стал после смерти отца директором созданного в доме художника музея.

Умер Соролья в возрасте 60 лет от последствий инсульта¸ который случился за два года до смерти во время работы за мольбертом и привел к тому, что он был полностью парализован. Врачи считали, что художник слишком много ездил по разным странам и слишком интенсивно работал. Его наследие составило более 2000 картин.

Из горячей Испании перенесемся на север, в Скандинавию, где импрессионизм более сдержанный, более «прохладный», меньше света и солнца, краски более мягкие, от него веет покоем и задумчивостью.  (О шведском импрессионизме я писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/24213.html )Но все эти описания не относятся к  одному из самых знаменитых шведских портретистов, живописцев и графиков – блистательному Андерсу Цорну (1866 — 1920), которого считали своим как художники-реалисты так и импрессионисты.

Андерс Цорн родился и рос не ферме родителей матери, его отец, местный пивовар, так и не женился на ней, мальчик был незаконнорожденным, что вовсе не сказывалось на его жизнерадостном характере. Он рано проявил художественные способности – рисовал, делал деревянные фигурки, и уже в 15 лет начал учиться в школе при Королевской академии искусств, а потом и в самой Академии, подрабатывая рисованием заказных портретов. Однажды ему заказали портрет девушки из богатой еврейской семьи, между ними вспыхнула любовь, Андерс Цорн и Эмма Ламм тайно обручились.

Эмма не решалась признаться родным, текстильным магнатам, что выходит замуж не только  не за еврея, но еще и за нищего художника, да еще и незаконнорожденного. Но уже через несколько лет Цорн становится известен, а потом и знаменит в Стокгольме, а затем и в других странах, в США и особенно России, где он познакомился с Дягилевым, Мамонтовым, Шаляпиным, а Репин назвал его «Паганини живописи».  И.Грабарь сказал о нем: «Цорн — какой-то баловень судьбы, которого природа наделила всем, о чем только может мечтать художник». В Петербурге он дал урок написания НЮ в Академии художеств, в этом жанре он писал много и с упоением, его обнаженные женщины прекрасны, жизнерадостны и эротичны.

Он и сам отличался неукротимым темпераментом и был любвеобильным – каждое лето он проводил поблизости от деревни своего детства, где купил участок земли и перенес на него дом деда, и каждой весной в деревне рождались незаконнорожденные детки, которым священник по желанию матерей давал имена «Андерс» или «Андреа». Жена Эмма смотрела сквозь пальцы на эти увлечения, только однажды она испытала тревогу, когда связь мужа с одной великосветской дамой длилась несколько лет.

На протяжении жизни Цорн писал и много автопортретов, прослеживая и отображая не только внешние изменения, происходящие в нем, но и внутреннее превращение неуверенного еще в себе молодого человека (смотри выше портрет художника в молодости), в успешного художника, богатого и знаменитого не только в Швеции, но и в мире.

Стасов писал об Андерсе Цорне, что тот изображал «всегда только то, что собственными глазами видел… но повсюду… вносил своею великою кистью столько правды жизни, света, поэзии, элегантности, жизненной радости, светлой души, что… бесспорно, является одним из самых блестящих представителей не только шведского, но европейского искусства».

А теперь пересечем океан и посмотрим, что в это время происходило в художественной жизни США, и поразимся тому количеству американских художников, которые не только следовали в фарватере европейских тенденций, но и развивали их, придавая им местный колорит. В 70-х годах 19 века многие начинающие американские художники уезжали получать образование в Европу и не могли не подпасть под влияние нового, расцветающего там направления в живописи, которое в Америке к концу девятнадцатого века тоже пустило свои корни не на пустом месте.

Базой для его развития стала мощная школа реалистической живописи, сложившаяся во второй половине века. Важной вехой в развитии импрессионизма в Америке стала выставка французских импрессионистов в 1886 году, где было представлено более 300 работ «классиков» этого течения. (Об этом более подробно я писала тут: https://vanatik05.livejournal.com/2013/11/11/ )

Родившийся в США, живший большую часть жизни в Англии, считающийся англо-американским художником Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1834 -1903),

мастер портрета в полный рост, взявший от импрессионизма стремление запечатлеть первое поэтическое впечатление от предмета, но не признававший роль пленэра и густого сильного мазка – он разводил краски до акварельной прозрачности. Интересный факт биографии: его отец, военный инженер, проектировал в России Николаевскую железную дорогу, когда Джеймсу было 10 лет, он приехал к отцу в Петербург, прожил там 6 лет, ходил в музеи, бывал в Петергофе, познакомился с Брюлловым, и даже был принят в Академию художеств.  

В ранних портретах, выполненных в разных оттенках одного цвета, Уистлер старался передать не столько сходство, сколько настроение. Позже это «ответвление» в живописи импрессионизма назовут тонализмом, но тогда художника критиковали за «эстетство», за «музыкальные» названия картин, за подражание японским миниатюрам, даже за то, как он выглядел и одевался. Он терпеть не мог реализм, воевал с ним, и одной из причин этой войны был уход его девушки (на портрете выше) к реалисту Курбе.

Постепенно его работы завоёвывали сначала интерес, а потом и признание не только в Европе, но и в родной Америке, у него проходят выставки, которые он готовил сам, тщательно продумывая все детали до последнего гвоздя, интерьер, цвет стен, даже одежду смотрителей, отдавая предпочтение экстравагантному стилю и коричнево-желтым цветам.

Последние годы жизни художник много болел и жаловался на меланхолию, душевную и физическую усталость, скончался он в Лондоне, там же и похоронен. Свое кредо в Искусстве он сформулировал так: «Природа содержит — в цвете и формах — элементы всех картин, подобно тому, как клавиатура содержит звуки всякой музыки. Но художник рождён для того, чтобы выбрать, отобрать и сгруппировать со знанием дела эти элементы так, чтобы достичь прекрасного результата, так же как музыкант выбирает свои звуки и образует аккорды, пока не добудет из хаоса великолепную гармонию».

Американская художница, прожившая большую часть жизни во Франции, Мэри Кэссет (или Кассатт  Кассат,  Кэссетт) (1844 -1926),

родилась в семье биржевого брокера, рано начала ездить с родителями за рубеж, побывала во многих европейских столичных музеях. Семья была против ее занятий живописью, но она настояла, начала уже в 15 лет обучение в Америке и продолжила самостоятельно учиться в музеях Италии, а в Париже вместе с Камилем Писсаро. Творчество и знакомство с Дега, оказало на нее большое влияние, привело ее к импрессионизму, она говорила об этом так: «Это изменило мою жизнь. Я увидела искусство таким, каким я хотела его увидеть».

После трехлетнего перерыва в работе из-за болезни сестры и матери она вернулась к творчеству, но стиль ее уже несколько изменился, с конца 80-х годов Мэри уже не определяет свое творчество как принадлежащее к импрессионизму, приобретает известность не только во Франции, но и в Америке, а темой ее работ все чаще становятся сцены, изображающие мать и дитя.

В этих картинах, изображающих счастье материнства, отразилось, вероятно, ее сожаление о собственной судьбе. Нет сведений о каких-либо ее связях с мужчинами, о какой-либо любовной истории. Еще в юности Мэри заявила родителям, пытавшимся внушить ей свое представление о предназначении женщины, что отказывается от замужества, детей и полностью посвящает себя живописи.

 И обет свой она выполнила — до самой смерти, почти ослепнув, она продолжала работать и умерла в одиночестве в возрасте 82 лет. За заслуги в области искусства Мэри Кэссет была награждена орденом Почетного Легиона и ее можно назвать «Леди импрессионизма» (Валерий Койфман. Проза.ру)

И еще один американский художник, сравнения с которым опасались даже французские импрессионисты, прославившийся главным образом своими портретами, вошедший в список мировых классиков живописи, Джон Сингер Сарджент (1856—1925).

Сарджент родился во Флоренции, где его родители-американцы оказались проездом, и так с тех пор так и не имел гражданства ни одной страны. Родители много времени проводили в Европе, мать верила в то, что посещение музеев и храмов даст детям достаточное образование. Она и сама была прекрасным художником-самоучкой, да и отец иллюстрировал медицинские журналы. Мальчик рано начал рисовать, копируя изображения морских пейзажей и судов из журналов. Не получив регулярного образования, Сарджент тем не менее говорил на нескольких языках и был знаком с творчеством великих мастеров, был принят в Школу изящных искусств в Париже, занимался самообразованием, рисовал в музеях.

После поездки в по Испании Джон «заболел» Веласкесом,  в Париже познакомился с Дега, Роденом, Моне, общался с американскими художниками, а его первоначальное увлечение пейзажем сменилось интересом к портретам, которые и принесли ему славу и высокие заработки. Он жил и рисовал в Париже, Италии, Америке, Лондоне, где у него была своя студия. В Париже он прожил 12 лет и начал приобретать авторитет и даже славу прекрасного портретиста, которая несколько померкла из-за портрета мадам Готро,

на котором по мнению французских ценителей дама из высшего света была изображена вызывающе откровенно и излишне сексуально привлекательной (тем более, что на одном из вариантов картины одна бретелька на платье была приспущена). Разразился скандал и заказов постепенно становилось меньше, но Сарджент участвует в совместных проектах с импрессионистами, много работает на пленэре, рисует своих друзей и их детей.

О личной жизни художника известно очень мало, он был скрытен, оберегал свою жизнь от публичности и сплетен, поговаривали даже о его сексуальной ориентации из-за большого количества работ с обнаженными мужчинами, но и женских НЮ у него тоже было немало, а уж о женских портретах можно говорить бесконечно.

Заканчивая обзор портретной живописи в стиле импрессионизма и переходя к следующему этапу, еще раз хочу сказать о том значении, которое импрессионизм имел для развития большинства современных направлений живописи и том новом, что он внес в искусство. Импрессионисты не стремились к затрагиванию острых социальных или философских проблем, а старались передать мимолетные впечатления от увиденного, изобразить реальный мир в его подвижности и изменчивости, стремясь «увидеть мгновение» и отразить настроение.

Как всегда, предлагаю посмотреть видеоклип по теме «портретная живопись импрессионистов стран Европы и Америки», музыка Дебюсси, 102 репродукции, продолжительность – почти 7 минут.

Ссылки: 1. https://muzei-mira.com/biografia_hudojnikov/

  1. http://allpainters.ru/
  2. https://artchive.ru/artists_works
  3. https://ru.wikipedia.org/
  4. https://www.wikiart.org/ru
Создание сайтов
Автор vanatik 15 Articles

Из Москвы Закончила Моск институт ин.языков им. Мориса Тореза. Замужем. Есть сын, Алексей, внучка и две правнучки. Живем в Ашдоде.

3 Комментарии

  1. Рада приносить пользу. Ну и как? Ты теперь можешь понять (и разделить) мою любовь к импрессионистам? Какое impression от них?

    • Так ты же специально выбираешь то что не может не понра 🙂
      Натали, я никогда не говорила «не нравится, не люблю» и так далее, я всегда говорила «мне не хватает знаний» 🙂

Добавить комментарий